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La Salida está en la entrada

Tributo a Manfred Bischoff

Por Liesbeth Den Besten

Manfred Bischoff, Homenaje a Manfred Bischoff
9 de marzo - 8 de abril de 2017
Galería Handwerk, Múnich, Alemania

     La primera impresión de la exposición Tributo a Manfred Bischoff está dominada por las grandes fotografías de las paredes del espacio de exposición Handwerkskammer en Múnich. Ahí se muestra el interior del antiguo convento capuchino en San Casciano dei Bagni, Italia, donde el artista alemán vivió desde 2000 hasta su muerte. Las imágenes son una bienvenida acogedora porque dan la ilusión de entrar en el espacio personal de alguien, aunque existe una contradicción entre la atracción pintoresca de las fotos interiores y el modo en que se organiza la exhibición. El visitante debe trabajar duro para captar la riqueza de los 35 años de trabajo del artista, en el contexto del contenido de su legado que cubre las paredes, y en el contexto de la joyería de sus contemporáneos. Es especialmente difícil porque al visitante no se le proporciona material aclaratorio de apoyo. Sin embargo, esta es una de las exposiciones de joyería más interesantes que he visto recientemente.

     Manfred Bischoff murió el 30 de marzo de 2015, a la edad de 67 años, después de un largo período en el que su salud iba decayendo. Wolfgang Lösche, el director del Handwerkskammer, explica que la exposición es la realización de un deseo ya existente de exhibir la obra de Bischoff en Múnich que lamentablemente sólo pudo organizarse después de su muerte. La exposición se basa en la propiedad de Bischoff, ampliada con préstamos de colecciones privadas y de museos, la curaduría fue realizada por Lösche, Angela Bock (también del Handwerkskammer) y Rike Bartels, heredero de Bischoff, amigo y compañero de vida durante algún tiempo. [1]

      La exposición incluye muchos dibujos relacionados y el trabajo con el que hizo su nombre, la mayoría prestados por coleccionistas privados. (Entre ellos el Sr. y la Sra. Bollmann, quienes fueron sus partidarios más generosos, visitaron al artista con regularidad y a lo largo de décadas adquirieron una extensa colección de joyas y dibujos de él). Los dibujos ofrecen una capa subyacente adicional a la joyería- humorística, poética, filosófica, intelectual, y a menudo intrigantemente misteriosa. "La salida está en la entrada" es uno de esos textos persuasivos escritos en su característica caligrafía. Bischoff es el único artista de la joyería que trabajó de esta manera, empleando su doble talento como buen artista y orfebre, un muy capaz dibujante y alguien que podría formar el oro en las formas más inusuales. Era a la vez un artista con una imaginación enigmática, un poeta, un intelectual y un hábil artesano.

     Se exhiben obras magistrales como ¿Hugo Perché? (2012), su gran cuerpo de ave de oro aparentemente vivo, y M.F., la interpretación de Bischoff en oro de una marioneta de dedo tejida de Michel Foucault por el Colegio de Filósofos Desempleados de Brooklyn, Nueva York. Yo represento el arte; ¿Qué representas? es el título de un anillo de oro y coral de 2009 el cual deber ser una gran alegría llevar puesto porque proporciona la mejor respuesta posible a las preguntas de la gente. Sus joyas y dibujos realizados en los años de finales de siglo, como Baghdad Sub Rose (1999), con su explosión de color, y Madonna del Parto (2002), con el corte agudo en el vientre, parecen extremadamente vehementes en comparación con trabajos anteriores y posteriores. Especialmente si uno se da cuenta de que son broches, un tipo de objeto que Bischoff prefirió debido a su carácter confrontador. [2]

     

      Como señalé antes, no es una exposición fácil. El visitante no es llevado de la mano a lo largo de un recorrido cronológicamente bien organizado, de un hito a otro. En cambio, los organizadores de la exposición hicieron hincapié en las contingencias de la vida, incluyendo los primeros trabajos menos conocidos, los desvíos y los ejercicios. A la historia del arte le gusta fingir que la obra de un artista consiste en una serie de períodos cronológicos sucesivos que culminan en el último estilo característico "maduro" del artista pero, en realidad, crear arte es un asunto que consiste en buscar algo desconocido dentro del contexto de su tiempo, lugar y entorno. La exposición de Múnich claramente quiere destacar este aspecto.

    

    El trabajo de 17 artistas contemporáneos que fueron invitados a hacer un homenaje a Manfred Bischoff se encuentra disperso en varias vitrinas en la planta baja y en el sótano. Otras joyas de estos artistas también se exhiben, lo que es bastante confuso, especialmente para el visitante no iniciado. Por otro lado, cada vitrina se puede disfrutar por separado para descubrir finalmente que pueden ser observadas como islas en un archipiélago- están juntas pero tienen su propia atmósfera y carácter. Juntas presentan el mundo de la joyería alemana (y europea) en la última parte del vigésimo y la primera parte del siglo XXI. La exposición no es sólo un homenaje a Bischoff o una retrospectiva de su obra sino que también establece una introducción a la joyería alemana en las últimas décadas del siglo XX. Sin embargo, se necesita cierto tiempo y conocimiento reconocer este subtema en la exposición.

     Algunos artistas lograron hacer un homenaje a Bischoff. Francesco Pavan contribuyó con dos broches en el oro intenso preferido de Bischoff, Una torre (Torre, 2016-2017) y Un cubo (Omaggio a Manfred, 2016-2017; Homenaje a Manfred 2016-2017). La torre recuerda dibujos y joyas de Bischoff sobre el "hogar", pero el cubo es una pieza desconcertante. Sin embargo, sabiendo que Pavan inicialmente quería llamar a este trabajo Anatra Cubista (Pato Cubista) lo convierte en una respuesta móvil del maestro de la geometría italiana a la imaginería maleable de Bischoff. El broche de Peter Skubic Der Tote Manfred (2016), una cabeza reflejada con dos grandes ojos, como si fuera una máscara de muerte, expresa amistad y pesar por la muerte de Bischoff. El broche se exhibe en un mostrador junto con dos broches tempranos de Bischoff de 1983, ambos muestran una imagen (por Gabi Dziuba) del artista como un hombre joven alegre con un sombrero de papel y un embudo en su cabeza. El diálogo entre estas piezas, que abarca toda una vida, es magnífico. Robert Smit tomó un dibujo de Bischoff titulado Tender Touchment como su inspiración. El dibujo de Tender Touchment (en otra vitrina) muestra como dos formas, una rosada, carnosa redondeada y una puntiaguda, se tocan suavemente por el extremo de la forma puntiaguda. Smit inmediatamente pensó en el toque de metal, que siempre deja una marca sin importar lo gentil del contacto. Inspirado por las palabras de Bischoff, tomó su material preferido, una hoja de estaño, e hizo impresiones de huellas dactilares en la hoja de estaño usando una técnica de impresión. Los ejemplos muestran una simpatía profundamente sentida entre los artistas y Bischoff.

Entre las joyas de Bischoff hechas a principios de los años 80 se encuentran ejemplos de piezas posmodernas, que representan piedras preciosas esculpidas en un material de espuma y pintándolo para sugerir el brillo de gemas o motivos neoclásicos como la columna estriada. Otros broches de este período muestran su interés por el espacio pictórico, combinando diversos materiales preciosos con materiales no tradicionales de la joyería (una foto, una pieza de plástico o dibujos a lápiz) en una sola pieza, para crear una imagen en capas que sugiere movimiento.

     Es fascinante observar cómo el dibujo, la pintura, las palabras y las joyas, todos recursos visuales que dominó de forma magistral, se acumulan en una sola pieza. L'Annunziazone (1980), por ejemplo, es un broche esculpido en espuma que luego fue pintado y dibujado con una imagen de una cornisa y una llama -el título está escrito a mano en la parte inferior. En trabajos tempranos apiló los recursos visuales uno encima de otro: la escultura, la pintura / el dibujo, y el título / el texto aparecen todos yuxtapuestos en una pieza. Unos diez años más tarde, separaba estos elementos para que por un lado estuvieran produciendo joyas, mientras que por el otro combinaba la pintura, el dibujo y la escritura en su trabajo bidimensional.

     En la orfebrería alemana, el uso de materiales no tradicionales de la joyería era todavía cuestionable a principios de los años ochenta. Pero en este período Bischoff fue obviamente influenciado por el "wilden Malerei" (la "pintura salvaje", el "nuevo salvaje"), un estilo neo-expresionista que surgió alrededor de 1980 en Alemania, Italia (jóvenes italianos) y otros países. Los pintores alemanes como Georg Baselitz y A.R. Penck, italianos como Sandro Chia y Enzo Cucchi, y artistas estadounidenses como Julian Schnabel y David Salle han sido incluidos en este movimiento artístico. En su vehemente pintura se volvieron contra el orden establecido y Bischoff encontró su propia variación en la joyería. "NO" dice un simple broche doblado de alambre de acero y pintado en rojo brillo en la pintura oscura. Otro broche, también hecho de alambre de acero, expresa la palabra "ENERGIA", con las letras pegadas incesantemente unas a otras como para materializar la noción. Ambos broches se hicieron en 1982, al igual que los pendientes con dibujos en bruto de cabezas hechas de alambre de acero con un texto en cada pieza, "Luxus" para una oreja y "No" para la otra. Este tipo de trabajo es una reminiscencia de los grafiti y la forma en que el muro de Berlín fue utilizado como un lienzo para la expresión artística y política. En el período de 1980 a 1984, Bischoff vivió en Berlín, compartiendo un estudio con Georg Dobler, cuya joyería de alambre está bien representada en la exposición. Otros artistas tenían sus estudios en el mismo edificio, y también había una empresa de arquitectura y una tienda de materiales de construcción. Para ganar algo de dinero, Bischoff y Dobler a veces construían modelos para los arquitectos. De esta manera, Bischoff descubrió materiales y técnicas que eventualmente resultaron en joyas hechas de espuma plástica, rociadas con pinturas especiales. Su estancia en Berlín declara el evidente carácter urbano de esta joyería.

    En 1984, cuando Bischoff ganó una beca del DAAD, se trasladó a Italia, y allí sus joyas comenzaron a cambiar: el oro lentamente entró en su trabajo. Y, por último, alrededor de 1990, las figuras elevadas en vibrante oro reforzadas por los sensuales detalles de coral rosa se convirtieron en su método de expresión en joyería, intervenidas por dibujos y textos.

     Muchos dibujos en las paredes regalan fragmentos de su intelecto y vida interior, retratos de personas -Michel Foucault, Freud, Joseph Beuys, Samuel Beckett, Voltaire, John Cage -animales, palabras únicas en mayúsculas (ANTI GONE gana un nuevo significado a través de la forma en que las cartas se distribuyen en el papel), todo hecho con un toque de búsqueda, pero seguro. Y hay más: el comienzo serio de un archivo de trabajo iniciado por el propio Bischoff en los años noventa y los recortes de periódicos, invitaciones e imágenes descritos con comentarios, anotaciones, palabras y dibujos que se encuentran en el escritorio de su casa. Entre otras piezas ubicadas en una vitrina de un nivel inferior también está su última pieza inacabada: una gran gota dorada en una fotocopia de un dibujo de una mujer con las piernas separadas.

     Los organizadores de la exposición han examinado cada pieza de Bischoff y cada dibujo y nota, encontrando elementos de imágenes que pueden ser destacados y confrontados con el trabajo de otros artistas. Sorprendentemente, una viga de madera antigua, un objeto encontrado que adornaba la pared de su casa, colocada en posición vertical contra la pared de la planta baja, se repite en sus joyas y dibujos como una casa en forma de torre. El mango de una cubeta, colgado al lado de la antigua viga, regresa en un dibujo y un broche ejecutado en oro, titulado Jackie (2003). Un bonito extra es encontrar un mango de cubeta similar a un elemento en un collar de Hermann Jünger, hecho casi 30 años antes, en 1975. La diferencia también es digna de mención: Bischoff utiliza el mango en posición vertical, dando a los extremos un rizo encantador hacia fuera de una forma similar a una caricatura, mientras que Jünger cuelga el mango de oro al revés de dos cadenas de plata como un extraño colgante. Algunas dispositivos ilustran cómo Bischoff, como estudiante en la clase de Jünger, experimentó con las técnicas metalúrgicas introducidas por su compañero de clase, el japonés Erico Nagai. Aquí el visitante también puede descubrir que el temprano Bischoff está en deuda con Jünger y Dobler.

     En conclusión, esta exposición celebra la imaginación de Bischoff, su deseo de evadir la interpretación, y la libertad de creación. En cierto modo, los organizadores comenzaron incluso a producir sus propias creaciones al hacer asociaciones: la máscara de muerte de Skubic empatada con dos autorretratos de Bischoff, La Madonna della Dolomiti de Smit con un broche de Bischoff o El ángel de plata de Kadri Mälk con las atormentadas auto-representación de Bischoff en oro vibrante y coral rosa. El visitante puede elegir: puede centrarse en la joyería y los dibujos de Bischoff, caer bajo el hechizo de su talento escultórico e imaginativo, y ser seducido por el oro amarillo quemante y el coral rosa suave; o puede comenzar a buscar significados, conexiones, cronologías. La exposición tiene muchas capas e historias, y es inusual, confusa en algunos puntos, pero también el mejor homenaje que Manfred Bischoff pudo haber recibido.

[1] Alexandra Bahlmann organizó la exposición.

[2] Catálogo de la exposición, Manfred Bischoff, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston, 2002, p.13: "Los broches se sienten mucho más en casa en el cuerpo, porque no se pueden ocultar. Los pendientes los puedes esconder. Un anillo lo puedes ocultar. Pero un broche es una confrontación.”

Liesbeth den Besten es una historiadora del arte, residenciada en Ámsterdam, que trabaja como escritora independiente, profesora, conferenciante y curadora. Actualmente, enseña historia de la joyería en Sint Lucas Antwerpen. Es presidenta de la Fundación Françoise Van Den Bosch para la joyería contemporánea, miembro del consejo asesor de la Chi ha paura ...? Fundadora y miembro fundador de Think Tank, una iniciativa europea para las artes aplicadas. Su libro, On Jewellery: A Compendium of International Contemporary Art Jewellery, fue publicado por Arnoldsche en noviembre de 2011.

Traducción: H.N

Gracias Barbara Magana por las correcciones de estilo.

AJF ---> Lanzando piedras a casas de cristal: Sobre crítica, historia del arte y discurso crítico

Lanzando piedras a casas de cristal: 

Sobre crítica, historia del arte y discurso crítico

Critica N°3

Como parte de una nueva alianza con KLIMT02, este artículo ha sido publicado en su sitio web bajo la etiqueta 'the AJF feed'. Tres artículos más sobre el tema de la criticidad están siendo publicados este verano bajo este paraguas de colaboraciones (Por favor eche un vistazo a los dos primeros, escritos por Moyra Elliott y Clare Finin).

—Benjamin Lignel

     La crítica es una clase de historia del arte realizada sobre objetos nuevos o recientes. Implica juicio, pero sin el beneficio de la retrospección. La crítica es diferente a la historia del arte, que no está tan preocupada por el juicio. La historia del arte, en cambio, explora la relación de los objetos entre sí, con la historia y con diversos aspectos de la sociedad. La historia del arte no tiene que hacer los mismos juicios que la crítica - se puede hacer una gran historia del arte sobre objetos realmente terribles y nunca tener que decir que son buenos, exitosos o importantes.

     No necesariamente pienso que el crítico debe tener que exponer sus criterios, pero las razones de sus juicios deben quedar claras en la crítica. Esto es para que el lector pueda entender por qué el crítico ha llegado a ciertas conclusiones y determinar si estos juicios y conclusiones son válidos para ellos.

     El discurso crítico es un tipo de enfoque, que puede encontrarse en la crítica y en la historia del arte. Es una decisión de comprometerse activamente con las herramientas que estas empleando y las discusiones de las que eres parte. Es una disposición a hacer preguntas y no asumir nada. El discurso es el flujo de ideas, conversaciones, prácticas y objetos que hacen posible la joyería contemporánea. El discurso crítico es una actitud hacia los diferentes aspectos que conforman el ecosistema contemporáneo de la joyería: hacer, escribir, exhibir, vender, etc.

     Creo que el discurso crítico es responsabilidad de todos los involucrados con la joyería contemporánea. Pienso que todos contribuimos con él y lo creamos, pero también es diferente para cada uno de nosotros. Un creador que construye un discurso crítico en su práctica hará algo diferente a un historiador del arte que también trata de hilar un discurso.

      El discurso crítico implica una actitud de alerta y de cuestionamiento de los términos que empleas, y de las formas en que se analizas o construyen los objetos en tu texto. Aquí hay un ejemplo de lo que quiero decir. En Patterns of Intention[1], Michael Baxandall hace un llamado de atención a la manera perezosa en que muchos historiadores del arte hablan de la "influencia". Como él lo expresa, el uso de este término generalmente da como resultado un "prejuicio gramatical erróneo sobre quién es el agente y quién el paciente: parece invertir la relación activo / pasivo entre lo que el actor histórico experimenta y lo que el observador inferencial deseará tomar en cuenta.'

     Cuando se dice que el joyero francés René Lalique influenció en la joyería del estadounidense Emiko Oye (que traduce joyas históricas de Lalique y otros en collares de Lego), pareciera que Lalique está haciendo todo el trabajo. En cambio, es Oye quien es el activo, interpretando los objetos y legados anteriores de Lalique en algo que se adapta a sus necesidades contemporáneas. Como concluye Baxandall, "pensar en términos de influencia embota el pensamiento empobreciendo los medios de diferenciación." La herramienta (la idea de influencia) se interpone realmente en el camino del análisis que se supone crea.

     He aquí otro ejemplo. En el prefacio de su libro Image of the People[2], un estudio sobre Gustave Courbet y la revolución de 1848 en Francia, T.J. Clark escribe que no quiere hablar del arte como un "reflejo" de la ideología, las relaciones sociales o la historia. Él no quiere pensar en la historia como un "fondo" para la obra de arte, casi siempre sin importancia y de vez en cuando traída a un primer plano. Tampoco quiere suponer que la comunidad artística (la vanguardia) es necesariamente el punto de referencia del artista. También se niega a las analogías intuitivas entre la forma y el contenido ideológico, como si la falta de un enfoque compositivo firme fuera sinónimo de igualitarismo, o la composición fragmentada es igual a la alienación humana en la sociedad industrial.

¿Qué es lo que quiere el autor? "Quiero descubrir qué transacciones concretas se ocultan detrás de la imagen mecánica de la" reflexión”, saber cómo" fondo "se convierte en primer plano "; en lugar de la analogía entre forma y contenido, descubrir la red de relaciones reales y complejas entre ambas. Estas mediaciones están históricamente formadas e históricamente alteradas; en el caso de cada artista, cada obra de arte, es históricamente específica”.

Clark quiere una historia del arte que siga buscando relaciones activas entre sus términos, negándose a permitir que se tome algo por sentado. Los objetos, ya sean pinturas francesas o joyas americanas, no son expresiones de relaciones sociales, políticas o culturales, sino que activamente forman y construyen estas relaciones. Como el antropólogo Nicholas Thomas lo dice en Possessions: Indigenous Art/Colonial Culture[3], “El arte no es un instrumento, sino el campo de batalla en la que la obra de arte, el discurso crítico, las instituciones y los mercados a menudo se sienten incómodas con las proclamas de las otras”.

¿Qué significa todo esto para nosotros como un grupo de escritores que trabajan sobre joyería contemporánea? Debemos ser dinámicos en cómo interrogamos la joyería contemporánea. Debemos ser agudos y vigilantes en los términos que usamos y las formas en que los empleamos. Debemos tratar de lograr una ágil y sofisticada red de relaciones alrededor de los objetos de joyería contemporánea que son nuestro tema.

¿Con qué frecuencia hemos mencionado conceptos como 'el cuerpo' o 'usabilidad' o 'funcionalidad', sin pensar activamente en lo que significan, su historia y las agendas que sirven? ¿Con qué frecuencia hemos utilizado el término contexto y, por lo tanto, no pensamos en nada aparte de lo obvio, como lo que el joyero quería decir, o cómo este objeto particular encaja con otros en la categoría de joyas contemporáneas? ¿Cuántas veces hemos sido perezosos en nuestra descripción de los objetos de los que estamos hablando y casuales en nuestra búsqueda de discursos similares para sus diversos efectos y cualidades materiales? ¿Con qué frecuencia hemos importado términos o modos analíticos de la historia del arte sin considerar su idoneidad para objetos artesanales como las joyas contemporáneas?

Al final, si bien el discurso crítico tiene muchas formas diferentes, creo que comparte un sentido en el que nada debe darse por sentado. El discurso crítico sabe que mientras que la joyería contemporánea es apenas un juego, éste debe ser jugado como si el resultado realmente importara.

[1] Michael Baxandall, Patterns of Intention (New Haven, CT: Yale University Press, 1987).

[2] T.J. Clark, Image of the People (1973; repr. London: Thames & Hudson, 1982).

[3] Nicholas Thomas, Possessions: Indigenous Art/Colonial Culture (London: Thames & Hudson, 1999).

Damian Skinner es un historiador de arte de Aotearoa, Nueva Zelanda, y curador de Arte Aplicado y Diseño en el Museo de Auckland.

Traducción: H.N

Gracias Barbara Magana por las correcciones de estilo.

The New York Times ---> Para la madera, es hora de brillar

 Para la madera, es hora de brillar

por Ming Liu

Joyas de madera en la tienda Amrapali en Jaipur, India, incluyendo un brazalete tallado con piedras preciosas. Crédito Vivek Singh por The New York Times

Es un material humilde que se encuentra en todos nuestros hogares y oficinas, así como en los bosques y jardines al aire libre. En algunas tradiciones, ha sido la piedra angular de un regalo para marcar los primeros años de un matrimonio.

Pero recientemente, la madera también ha estado ocupando un lugar de honor entre las mejores gemas y relojes.

Tanto Boucheron como Annoushka han creado colecciones de joyería con temas de madera alrededor del material, mientras que Van Cleef & Arpels y Glenn Spiro han infundido toques en sus líneas de alta joyería.

En cuanto a relojes, Piaget y Patek Philippe han introducido relojes especiales con diales elaborados con marquetería de madera.

Una afición por los materiales reciclados es, en parte, la seducción de la madera, combinada con la sensación, si se quiere, de volver a las raíces.

"Es fascinante lo que se encuentra en la naturaleza", dijo Yasmin Hemmerle, de los joyeros con sede en Munich Hemmerle. "No tienes que crear tanto porque el material es tan maravilloso". La casa ha hecho brazaletes y aretes de madera de olivo verde con incrustaciones de gemas en tonos tierra, táctiles.

La naturaleza fue ciertamente la musa de Claire Choisne, directora creativa de Boucheron. Su última colección de alta costura, Hiver Impérial, se inspiró en los inviernos helados de Rusia y en la distintiva arquitectura de madera de su norte.

 

Un anillo de cóctel Rostov de Boucheron en madera de álamo y diamantes.

La Sra. Choisne dijo que descubrió la región en un documental de televisión francesa. "La madera vieja brillaba como la plata", dijo. "Realmente me gustó el efecto y quería traducirlo a la colección".

El resultado incluyó el medallón de Rostov en madera de álamo temblón mate, que primero recibió una pátina pálida, luego incrustado en un patrón recortado y rodeado de diamantes. Recordando una cúpula cubierta de nieve como se ve desde arriba, el collar se centra en un diamante redondo de 4,14 quilates y se puede usar como un sautoir, ya sea en una doble hebra o gargantilla, o como un broche.

La madera de álamo y la mezcla de diamantes del grupo de Rostov también aparecieron en un par de pendientes alargados y un anillo de cóctel tallado.

Boucheron no es ajeno a la madera, ya que utilizó madera de acacia en pastilleros y pitilleras en los años 70, pero la Sra. Choisne dijo que no estaba interesada en repetir el pasado.

Los pendientes del joyero con sede en Munich Hemmerle combinan prehnite y madera pock con zafiros.

"Se parecía demasiado a la madera", dijo el diseñador, que es conocido por tomar materiales esotéricos (el mármol y la arena han aparecido en colecciones anteriores). "Las piezas de Rostov no tienen la apariencia de madera, me encanta cómo te preguntas qué es".

Rusia también fue una inspiración para el joyero británico Annoushka Ducas, cuya nueva colección Touch Wood evoca tiempos pasados y presentes. Cuando era niña, la Sra. Ducas acompañó a su madre, que nació en Rusia, en un viaje al campo para comprar caballos de cuarto.

En el manguito Sienna de Niin, una marca de joyería de Hong Kong, el bronce rodea una pieza de madera petrificada.

"Fue en la década de 1970, y ella era una mujer soltera que viajaba sola conmigo cuando niña", recordó la Sra. Ducas. "Fue muy valiente. Ella siempre usaba este anillo de madera que instintivamente tocaría en momentos de incertidumbre. Es una de esas cosas de la infancia que siempre recuerdo ".

A pesar de que había jugado con una colección con temas de madera durante dos décadas, la Sra. Ducas no presentó la línea hasta septiembre. Un factor que la impulsó a presentarlo finalmente este año fue el centenario de la abdicación de Nicolás II, que puso fin a la dinastía Romanov de 300 años de duración. Pero también sintió que encajaba en los tiempos cada vez más inquietantes de hoy.

"Siempre he sido muy supersticioso y dije 'tocar madera' cuando las cosas van bien", dijo Ducas. "Y ahora es un momento especialmente conmovedor en el que el mundo atemoriza: parecía ser el momento perfecto para la colección".

Al igual que los diseños de la Sra. Choisne, su inspiración fue la arquitectura abovedada de la región, pero la Sra. Ducas se sintió atraída por el ébano más oscuro y tradicional, aquí semipulido y utilizado en contraste con el brillante oro amarillo. Un par de pendientes de cúpula, por ejemplo, recordaba las agujas de las iglesias, y al oro primero se le daba un brillo intenso antes de que se texturizara con un fino cepillo de alambre. "Eso es lo que le da el brillo cuando la luz lo golpea", dijo el joyero, "y me encanta la combinación con el ébano oscuro: es cálido, femenino y se siente increíblemente moderno".

Una pieza de joyería de madera en progreso en el estudio de diseño Amrapali en Jaipur, India. Crédito Vivek Singh por The New York Times

Formas en forma de cebolla son el motivo principal, como en un anillo de edición limitada con tres pavé de diamantes o un colgante de oro con encantos de ébano, aguamarina y prehnita y una cruz de diamante en oro negro rodiado. Pero mientras que la colección de 12 piezas se llama Touch Wood, la madera no siempre es obvia: algunos de los diseños más enjoyados cuentan con solo un toque de ébano en la parte inferior de la gema, que está en contacto constante con la piel del usuario.

El ébano era de fuentes sostenibles de Madagascar, dijo Ducas, y la conservación es otro atractivo para algunos diseñadores.

La marca de joyería Niin de Hong Kong se basa en el concepto de upcycling, y su fundadora, Jeanine Hsu, obtiene madera descartada de fabricantes de muebles y madera recolectada por esposas de pescadores en Filipinas (porciones de las ventas de Niin se destinaron a organizaciones medioambientales como el Mundo) Wildlife Fund-Hong Kong y la Fundación HK Shark). Como resultado, los diseños de la compañía tienen una sensación orgánica, como el mosaico lujoso del colgante Zayah de madera de aliso oscura reciclada, latón, piedra de mactan blanco y conchas marinas, o el puño Sienna con latón que rodea una pieza de madera petrificada.

Pippa Small, una joyera británica que enfatiza sus valores éticos, usó madera petrificada de la zona del Alto Río Irradwaddy en Myanmar en su última colección. La madera, ahora extinta, data de alrededor de 30 millones de años, y en su forma petrificada tiene un patrón pálido y moteado que la Sra. Small ha colocado con oro en discos colgantes y colgada en pendientes. Las piezas se hicieron como parte del proyecto Turquoise Mountain Myanmar, una organización benéfica que emplea a artesanos locales y ayuda a promover las técnicas y los oficios tradicionales.

En la India, la madera ha aparecido durante mucho tiempo en la joyería, pero en su mayoría engastados en plata, dijo Tarang Arora, el director creativo de Amrapali.

La casa de joyería india recientemente transfirió sus habilidades en la talla de piedras preciosas para crear brazaletes de madera en un estilo de alta joyería, incrustándolos con diamantes y esmeraldas en motivos florales o animales.

Pero las creaciones de Amrapali con cuentas de rudraksha, las semillas del árbol del mismo nombre, son las más pioneras: se las conoce como las lágrimas del dios hindú Shiva y tradicionalmente usadas por sus poderes protectores. Recientemente, el Sr. Arora creó un collar especial de rudraksha para un cliente, encerrando el talón en una red de oro y diamantes de la que cuelga una briolette de diamantes.

Una pieza de Amrapali hecha con cuentas de rudraksha, que se conocen como las lágrimas del dios hindú Shiva y usadas tradicionalmente por sus poderes protectores. Crédito Vivek Singh por The New York Times

"Este es un material que puede hacer mucho más", dijo el Sr. Arora, quien elogia a la madera por su capacidad de parecer audaz a pesar de ser liviana. "La gente quiere algo diferente: más atrevido, fresco e innovador". Agregó que él mismo ha llevado un pendiente de palo de rosa oscuro durante los últimos 15 años.

Como material natural que puede ser algo frágil ("se mueve y es bastante temperamental", dijo la Sra. Hsu de Niin), es notoriamente difícil trabajar con la madera. Pero eso no ha impedido que los relojeros usen piezas en miniatura en sus creaciones, también.

Para el reloj Infinite Waves de Piaget, una edición limitada de ocho piezas de la colección Sunlight Journey presentada en julio, el objetivo era "fascinante y emocional", dijo Jean-Bernard Forot, director de marketing de relojes y joyas de la compañía. La casa se asoció con la ebanista Rose Saneuil, que pasó alrededor de 25 horas en cada esfera, incrustando 224 piezas de sicómoro, pergamino, arce moteado, carpe, madera de tulipán, haya y otras maderas, así como de madreperla.

Durante el verano, Patek Philippe presentó su última aventura en marquetería de madera en una exhibición en Nueva York, la más reciente versión del museo emergente que ha visitado Dubai, Emiratos Árabes Unidos; Munich; y Londres.

Una colección especial de relojes nuevos conmemoraron hitos en la historia de los Estados Unidos, como el reloj de bolsillo First Steps on the Moon, donde un paisaje lunar de aspecto tridimensional se representó minuciosamente en la cubierta en 483 piezas de madera de 15 especies diferentes y 60 incrustaciones. Se pintaron más minutiae, hasta el reflejo en la visera del casco de Buzz Aldrin de Neil Armstrong capturando el momento con una cámara.

La marquetería de madera también le dio una sensación muy resistente al Retrato de un reloj de bolsillo indio americano, donde el sujeto, vestido con pieles y plumas, cobró vida a través de 304 piezas de madera de 20 especies de árboles. Para el ojo inexperto, el diseño parece el trabajo de la pintura en miniatura, y una artesanía que puede ver una creciente competencia de un arte decorativo cada vez más popular.

El reloj de bolsillo Retrato de un indio americano de Patek Philippe utiliza 304 piezas de madera de 20 especies de árboles.

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Este artículo del New York Times lo seleccioné para traducirlo a propósito del trabajo que he venido desarrollando durante los últimos seis meses del año con la madera. Comparto muchas de las ideas que exponen los joyeros en cuanto con la madera, su belleza y su valor. Andreína

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AJF --> La joyería contemporánea se pronuncia

La joyería contemporánea se pronuncia

 Por Tony Greenbaum

Foto 1.  A la izquierda Helen Williams Drutt con aretes collar, broche, brazalete y anillo de su colección privada. Foto: Andrea Baldeck. A la derecha: Gijs Bakker. Broche “Waterman “1990 PVC, fotografía y diamantes 152 x 67 x6mm Museo de Bellas Artes de Houston, Colección Drutt. Foto; Artis/ARS NY.

    A través de la historia, la joyería ha sido el indicador social y un amuleto usado para realzar el encanto sexual, para la ceremonia o para el ritual. Con el tiempo, la fabricación de joyería evolucionó en artesanía fina, en gran parte creada a partir de metales y piedras preciosas, tradición que aún se mantiene. Sin embargo, un grupo pequeño pero dedicado de conocedores busca un tipo de joyería llamada "contemporánea", que, como la pintura y la escultura, es un vehículo para la expresión estética. Su valor puede provenir de la exploración de ideas, las nuevas tecnologías, y la incorporación de temas de actualidad e incluso comentarios. A veces el trabajo es conceptual, incluso provocativo y a menudo es muy hermoso. Gran parte de ella se destaca por el uso de materiales inesperados como el acero, madera, plástico, debris, textiles, fotografías, e incluso taxidermia.

   Varios museos se especializan en la joyería desde la prehistoria hasta la actualidad pero, la inclusión de joyas contemporáneas en los museos de joyería sólo permite una comparación limitada con otras eras, lugares y / o formatos. El ubicarla en instituciones más amplias, dentro del contexto de la pintura, la escultura y el diseño, facilita los análisis interdisciplinarios; y los directores y curadores de los museos enciclopédicos están cada vez más interesados en la joyería contemporánea. Maxwell L. Anderson, ex director de Eugene McDermott en el Museo de Arte de Dallas, califica a la joyería contemporánea como "un género irresistible dentro de los contextos más amplios de la pintura y la escultura".

   El formidable, aunque pequeño, grupo de coleccionistas que ha puesto este campo en el centro de atención ha abogado por los creadores, patrocinado galerías, financiado exposiciones ambiciosas con catálogos eruditos, y apoyado otras publicaciones. Han acumulado colecciones considerables que, aunque cada una es diferente y muy personal (como sería la joyería), representan algunos de los logros más significativos en el campo. Ahora, un número significativo de estos coleccionistas está ayudando a algunos de los museos más importantes del mundo a construir sus colecciones en este campo.

   Construir colecciones a base de regalos importantes constituye un camino ya transitado por los museos. Pero la joyería contemporánea es un área comparativamente nueva de investigación y adquisición para los museos -y única para el mundo de la colección moderna ya que la joyería es tan personal, que es un arte que se muestra mejor cuando está en uso. Y es así como la joyería es un arte íntimo, por lo que los coleccionistas a menudo aplican sus propios criterios al considerar una pieza. Por lo tanto, vale la pena entender quiénes son estos coleccionistas convertidos en clientes, ya que su gusto personal está configurando lo que el público sabrá acerca de la joyería contemporánea. Aquí hay una breve mirada a nueve colecciones de este tipo y las personas que las crearon.

Foto 2: A la izquierda Pieza de Stanley Lechtzin “Torque 22-D”  gargantilla 1971. Plata Sterling y resina de poliéster 229x241x64mm. Museo de Bellas Artes de Houston Colección Drutt. A la derecha Pieza de David Watking “Bisagra Bucle” gargantilla con 3 barra 1974. Acrílico y Plata Sterling, 26.7 x 13.3x 1.3

        Las contribuciones de Helen Williams Drutt son inestimables. Su objetivo declarado al perseguir la disciplina es "mantener la historia", no necesariamente construir una colección. Ella siempre ha buscado trabajos superlativos americanos e internacionales, no sólo para sus propios propósitos, sino también para orientar a otros, lo que logra a través de sus conferencias, escritos y más. En 1973 Drutt abrió una galería epónima en su ciudad natal, Filadelfia, cuyo foco principal eran las joyas contemporáneas. A través de la divulgación de la galería, su propio conocimiento, la reverencia de los artistas, y la perspicacia de su curaduría, Drutt logró un gran número de seguidores de la joyería contemporánea que de otra manera sería inconcebible.

   En 2002 se cerró la Galería Helen Drutt y el Museo de Bellas Artes de Houston posteriormente adquirió más de 800 joyas de su pertenencia así como dibujos relacionados que datan de 1960 a 2006. En 2007 el museo organizó una exposición itinerante de aproximadamente 300 objetos, de los cuales 275 eran piezas de joyería. El libro que acompañaba, Ornament as Art: Avant-Garde Jewelry from the Helen Williams Drutt Collection, (Ornamento como Arte: Joyería de vanguardia de la colección de Helen Williams Drutt) junto con el libro de 1995 de Drutt, Jewelry of Our Time: Art, Ornament and Obsession (Joyería de nuestro tiempo: Arte, Ornamento y Obsesión), co-escrito con el fallecido Dormer, se han convertido en textos estándar sobre el tema. El difunto Peter C. Marzio, director del Museo de Bellas Artes de Houston, durante 28 años, escribió en un emocionante prefacio a Ornament as Art: "La Colección Drutt ataca a las categorías académicas tradicionales e históricas del arte. Este desafío subversivo nos obliga a abandonar ciertas formas convencionales de pensamiento y a redefinir las ideas de la escultura, la pintura, las artes decorativas, etcétera". Deseando fomentar la comprensión internacional mediante el intercambio de objetos hechos a mano, el año pasado Drutt fue responsable de la exposición Gifts from America: 1948–2013, (Regalos De América: 1948-2013) exposición que abarcó 74 obras entregadas al Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, Rusia, en conmemoración del 250 aniversario del museo. Las obras fueron donadas por 43 artistas y mecenas, entre ellos Drutt, y contó con obras de 30 joyeros internacionales. Un signo notable de que este es un momento decisivo, es el deseo evidente del Hermitage, uno de los museos de arte y cultura históricos más antiguos y más grandes del mundo, de ampliar su compromiso de recolectar y exhibir arte aplicado en los siglos veinte y veintiuno, incluyendo joyas.

Foto 3: A la izquierda, Lois Boardman con collar titulado “Gane mis alas”, Pieza de alas de perico disecadas del artista Afke Golsteijn 2013, foto de Miriam Künzli/Art Aurea. Derecha: Nancy Worden Guilding the Past cobre con baño de oro y monedas de plata, hueso, coral, turquesa, bronce y algodón. 438x451x19mm. LACMA regalo de Lois y Bob Boardman. Foto: Museums Associates/LACMA

    La californiana Lois Boardman dice que su amistad con Drutt la condujo por ¨el ruinoso camino de coleccionar”. Sin embargo agradece a Drutt haberle enseñado la "diversión y maravilla" de perseguir la joyería contemporánea cuando se conocieron a inicios de la década de 1980. Boardman amasó su impresionante colección de más de 300 piezas, muchas de las cuales ella y su esposo Bob, están donando al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Una exposición de selecciones, Beyond Bling (Más allá del brillo), se inauguró en octubre de 2016 y está acompañada por un catálogo.

   Por el contrario a lo que uno podría pensar, la mayoría de los coleccionistas de joyas les atrae la provocación, el humor o la vanguardia, y Boardman es un excelente ejemplo. De hecho, ella le agrada la experimentación. Prueba de ello lo constituye el collar de huesos de pollo dorado mediante el proceso de fundición de la artista del estado de Washington Nancy Worden, titulado Gilding the Past o la pieza del artista de Virgina Susie Ganch, Static Orbital Model #3, una pieza para la cabeza en forma de una menorah. Boardman dice que incluso ha llevado piezas que van desde el collar con una gran amatista facetada centrada entre dos escarabajos de plata del joyero alemán Georg Dobler, hasta joyas de Costco. Su estrategia es trazar el desarrollo estético y técnico de cada artista que ella cree es fundamental para el campo comprando varias de sus obras, aunque admite que su preferencia personal es por las obras en oro.

Foto 4: Carol Broadhead (1978) collar de Plata, Algodón y Nylon. 203x203x10mm. Museum of Art and Design , New York donación de Donna Schneier. Foto John Bidelow Taylor

   La ex residente de Nueva York Donna Schneier, quien también comenzó a coleccionar joyas contemporáneas en la década de 1980, elige las piezas por sus conceptos y en realidad viste muy pocas de ellas. A diferencia de Boardman, afirma que no tiene "gusto personal en la joyería", seleccionando cada trabajo con la habilidad de un curador y con el objetivo de documentar los objetos más autoritativos de los artistas más influyentes de la época. Schneier se sintió atraída inicialmente por el "adorno corporal" hecho en Inglaterra y Holanda en la década de 1980 a partir de materiales atípicos como papel, fibra, caucho, estaño y plástico. Ella compró varios ejemplos, los cuales exhibió en la oficina de un negocio de importación de joyería convencional de oro que dirigía. En 1997 donó una selección de estas obras de materiales no preciosos al American Craft Museum (hoy Museo de Artes y Diseño), el cual organizó una exposición y un libro alrededor de estas titulado Zero Karat. Luego, en 2007 y 2013, Schneier donó unos 132 ejemplares de joyas americanas y europeas contemporáneas al Metropolitan Museum of Art de New York. Al comentar el regalo, Jane Adlin, antigua curadora asociada del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo del Metropolitan, comentó: "Me encanta la joyería ... así que ... [Dije] veamos qué podemos hacer para fortalecer esa parte del [Metropolitan]…veo la joyería contemporánea como parte del diseño contemporáneo”. En la primavera de 2014 el museo organizó una exposición y un catálogo para acompañarla, Unique by Design, que destacó las obras maestras de los estadounidenses Thomas Gentille, Joyce J. Scott y William Harper, y los alemanes Hermann Jünger, Otto Künzli, y Dorothea Prühl, entre un conjunto de otros grandes joyeros internacionales.

Foto 5. Bruno Martinazzi, “Goldfinger” 1969 Brazalete Cuff de oro amarillo de 20 quilates y oro blanco de 18 quilates, ancho 65mm. Museo de Bellas Arte de Boston Colección Farago. Foto: Museo de Bellas Arte de Boston

    La comodidad era un requisito para Daphne Farago cuando consideraba una pieza de joyería para su colección. Farago comenzó a coleccionar a finales de los años 1980 y posee muchas obras europeas contemporáneas estelares que ilustran la fertilización cruzada entre los joyeros americanos y europeos de finales del siglo XX, así como ejemplos de mediados del siglo XX diseñados por pintores y escultores internacionales. Pero su énfasis estaba en relacionar la historia de la joyería americana de estudio desde sus inicios alrededor de 1940 -con las poderosas joyas de cobre y plata de Alexander Calder - hasta su madurez a principios del siglo XXI. Nacida en Sur Africa, Farago hizo su residencia principal en Rhode Island, donde fundó el Daphne Farago Wing for Contemporary Art en el museo del diseño del museo de Rhode Island en 1993, una galería que ofrece exposiciones de la colección del arte contemporáneo del museo. Además, ha entregado más de 950 piezas de arte de estudio contemporáneo en una variedad de medios al Museo de Bellas Artes en Boston. Estos incluyen más de 650 piezas de joyería, muchas de las cuales se incluyeron en la exposición Jewelry by Artists: The Daphne Farago Collection una exposición que se desarrolló durante casi un año, de 2007 a 2008. Un catálogo, Jewelry by Artists in the Studio, 1940–2000: Selections from the Daphne Farago Collection, fue publicado por el museo en 2010. Los préstamos permanentes y las donaciones prometidas de Farago continúan incorporándose en el Museo de Bellas Artes de Boston.

     Deedie Potter Rose y su difunto esposo, Edward W. Rose, han coleccionado pintura y escultura contemporánea, particularmente de América Latina. Esa colección está destinada al Museo de Arte de Dallas como parte de un esfuerzo para construir una fuerte presencia contemporánea en ese lugar. Deedie Rose descubre la joyería contemporánea accidentalmente a principios de los 1990, cuando encontró imágenes de dos broches geométricos de acero inoxidable de la artista checa Eva Eisler en un artículo de la revista. Ella persiguió a Eisler, y nunca volvió atrás. Comenta que al igual que el arte contemporáneo, la joyería contemporánea, te hace "pensar de maneras distintas".

   Deedie Potter Rose ha donado varios trabajos al Museo de Dallas, incluyendo un collar de tubo de plástico delgado con sierras de joyero de acero imbuidas y un broche de manecillas de reloj de capas densas y plata oxidada, ambos realizados por el estadounidense Sergey Jivetin. Pero la contribución más generosa de Rose hasta la fecha es la Colección Rose-Asenbaum, que surgió a través de otro encuentro casual. En 2012, durante un viaje a Viena, donde ella y su marido estaban buscando muebles del Wiener Werkstätte, Rose fue introducida a una espectacular colección de más de 700 piezas de joyería internacional de luminarias que trabajan desde 1960 hasta la actualidad como el eslovaco Anton Cepka, el alemán Gerd Rothmann, el suizo Max Fröhlich y el italiano Francesco Pavan, que pertenecían al coleccionista austríaco, consultor y galerista Inge Asenbaum. Al año siguiente, Rose compró la colección de Asenbaum para el Museo de Dallas. Como dice Kevin W. Tucker, ex curador principal de Artes Decorativas y Diseño del Museo de Arte Margot B. Perot y ahora director del Museo del Movimiento Americano de Artes y Oficios en San Petersburgo, Florida, "La Colección Rose-Asenbaum ofrece resonancia especial con la colección de arte moderno y contemporáneo del Museo de Arte de Dallas, libre de las limitaciones habituales del diseño para la función práctica, estos artistas pudieron explorar cuestiones conceptuales, cuestionando no sólo el estilo y los materiales, sino el papel mismo de los objetos que estaban creando". Una selección de piezas de la Colección Rose-Asenbaum estuvo expuesta hasta finales de 2016 en Form/Unformed: Design from 1960 to the Present, una instalación de mobiliario icónico y objetos de las propiedad del Museo de Artes de Dallas.

Foto 6: A la izquierda Marjan Unger con collar de Robert Smit “Sketch for Sleeping Beauty II” 1990. Foto de Michaël Ferron Rijksmeseum , Ámsterdam de la colección Unger. A la derecha “Cara” 1994 de Paul Derrez , Plástico aluminio y caucho 70x60x25mm Rijksmeseum , Ámsterdam de la colección Unger. Foto: Rijksmeseum

    La rica historia de la joyería de los Países Bajos es un tema sobre el que la historiadora de arte holandesa Marjan Unger ha escrito y ha dado conferencias, incluyendo Het Nederlandse sieraad in de 20ste eeuw (Joyería holandesa en el siglo XX) en 2004. En la celebración de su PhD, concedido por La Universidad de Leiden en 2010 para una tesis que aborda cuestiones teóricas relacionadas con la joyería, ella y su esposo, Gerard, donaron su colección de casi 500 piezas de joyas holandesas del siglo XX y XXI al Rijksmuseum de Ámsterdam. Aunque se concentraron en el período comprendido entre 1930 y 1970, la Colección Unger extiende las posesiones de joyería del museo hasta nuestros días, incluyendo ejemplos destacados de maestros contemporáneos como Paul Derrez, Robert Smit y Beppe Kessler. Unger no se dispuso a acumular tal grupo cuando empezó a comprar joyería holandesa moderna en 1980. En su lugar, empezó a adquirir a través de la emoción y el intelecto, afirmando que su "relación profesional" con la joyería se caracteriza por "curiosidad, complicidad y el emocionante sentimiento de enamorarse."

Foto 7: Felieke Van Der Leest “Incognitos Anónimos” 2011. Collar y objeto plata cuentas de vidrio tejido, cuero, plástico . Ancho: 168mm, Alto: 50mm. CODA Apeldoorn. Donación de Ronald Kuipers. Foto: Nasjonalmuseet/Frode Larsen

   

   El coleccionista de arte holandés Ronald Kuipers fue introducido a la joyería contemporánea a través de arte. Después de su muerte en 2014, su familia donó su colección de joyas a CODA, un museo en Apeldoorn, Holanda. A través de este legado, CODA añadió a su ya excepcional colección de obras del fabricante holandés Evert Nijland y adquirió piezas significativas de Ruudt Peters, Felieke van der Leest y Jantje Fleischhut, del italiano Marc Monzó y de la australiana Helen Britton.

   Desde 2004, una de las colecciones de joyas contemporáneas más impresionantes del mundo ha sido alojada en la Danner Rotunda, una galería dedicada a la joyería con el apoyo de la Fundación Danner dentro del Neue Sammlung-El Museo del Diseño en la Pinakothek der Moderne en Munich. La colección, consistente en un préstamo permanente de la Fundación Danner, así como donaciones privadas, fue inaugurada en 1995, cuando el joyero serbio Peter Skubic entregó 60 piezas - ninguna hecha por él - al museo en honor a su sexagésimo cumpleaños; al año siguiente, esta colección central fue reforzada por las aportaciones del joyero austríaco Sepp Schmölzer y de los joyeros alemanes Marianne Schliwinski y su marido, Jürgen Eickhoff, propietarios de la Galerie Spektrum de Munich.

Foto 8: Otto Künzli “Big American” Collar de 1968 de Acero inoxidable. Neue Sammlung

    Peter Skubic también desempeñó un papel fundamental en la colección de joyería de los austríacos Heidi y Karl Bollmann, una parte de la cual fue expuesta en MAK, el Österreichisches Museum für angewandte Kunst / Gegenwartskunst (Museo Austriaco de Arte Aplicado / Arte Contemporáneo) a principios de 2015. La colección Bollmann de más de 1.000 objetos comenzó en 1972, cuando Karl Bollmann heredó algunos diamantes y encargó Skubic para incorporarlos en una joya para Heidi Bollman. Bollmann cree que la joyería posee "validez universal" en la comunicación de pensamientos y sentimientos. Los Bollmann consideran la exposición MAK y su espléndido catálogo, Joyería 1970-2015: Colección Bollmann, como un "agradecimiento" a los creadores que han enriquecido sus vidas.

  Los suizos Sonja y Christian Graber donaron recientemente una colección que aborda en profundidad las joyas y objetos de su compatriota Bernhard Schobinger a la Kunsthaus Zug in Zug, Suiza, junto con fotografías de la esposa, artista de video y fotógrafo Annelies Štrba de Schobinger y pinturas de Adrian Schiess de Zúrich. Conocido por su joyería paradójica hecha de materiales preciosos y basura, Schobinger crea trabajos que son simultáneamente confrontativos y místicos Muchas de las obras fueron publicadas por primera vez en el catálogo que acompañó la exposición Adrian Schiess, Bernhard Schobinger, Annelies Štrba: El regalo de las colecciones de Graber, que se celebró en el museo en el otoño de 2015.

 Gracias a la acogida entusiasta de numerosos museos y la generosidad de su creciente coleccionismo, la joyería contemporánea tiene una plataforma pública. Cuando se les preguntó sobre la importancia de las colecciones de joyas contemporáneas y los coleccionistas que las facilitan, Glenn Adamson, director de Nanette L. Laitman en el Museo de Artes y Diseño, dijo: "Una de las razones por las que premiamos tanto a la joyería en MAD es por la manera en que se concentran las ideas de un artista en una forma tan condensada. La oportunidad de construir una colección definitiva de estos objetos es aún más poderosa, porque demuestra la enorme gama de posibilidades del medio. Y al final del día, los museos y coleccionistas están trabajando juntos para alcanzar este objetivo compartido, para comunicar y preservar el trabajo de los artistas que respetamos enormemente".

   Reproducido con el permiso de la Revista Moderne y la autora.

Foto 9: A la izquierda Habicht pieza en madera de olmo de Dorotea Prühl 2006. A la derecha Karl Bollman con Broche Grafiti de Annamaria Zanella, 1990-1999

Toni Greenbaum es una historiadora del arte que se especializa en joyería y metalistería de los siglos XX y XXI. Ha escrito innumerables artículos de revistas, capítulos de libros y catálogos de exposiciones, y es autor de Messengers of Modernism: American Studio Jewelry, 1940-1960. Ella enseña internacionalmente y enseña Teoría y Crítica de Joyería Contemporánea en el Pratt Institute en Brooklyn, Nueva York.

Retrato: Wesley Greenbaum.

Traducción: H.N

                                         Gracias Barbara Magana por las correcciones de estilo.