Entrevista KLIMT02 ---> Nichka Marobin, historiadora de Arte y blogera

Nichka Marobin este año presentará una exposición en el Museo del Modernismo de Barcelona titulada "Les Confluences | Las Confluencias - Ramón Casas y joyería contemporánea ", como parte de la Feria JOYA 2016.

Uno de los trabajos expuestos en la exhibición

"Les Confluences | Las Confluencias - Ramón Casas y joyería contemporánea "

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Nichka Marobin es una historiadora del arte flamenca-holandesa: se graduó en la facultad de letras de Padua (Italia), con una tesis sobre las impresiones ornamentales del Renacimiento entre 1500-1550 en Alemania y los Países Bajos, se centra en la migración de las formas, temas y estilos en los grabados de Cornelis Bos, Cornelis Floris II, Lucas van Leyden y los pequeños amos alemanes.

En 2011 fundó The Morning Bark, un blog sobre las artes y las humanidades, donde publica acerca de las artes con una trayectoria multidisciplinaria, incluyendo las bellas artes, los libros, la moda y la joyería contemporánea.

En 2014 comenzó su proyecto llamado Les Métissages el desarrollo del concepto de la migración de las formas e ideas mediante la yuxtaposición de la joyería contemporánea y las creaciones de la moda, haciendo coincidir creaciones de moda antiguas y nuevas con la joyería contemporánea, la vida de las formas exteriores, dando fe de su inquieta existencia y realzando ambas formas de arte.

En 2015 fue curadora de la exposición Les Métissages: una nueva gramática de la belleza en Joya BARCELONA, exponiendo en Arts Santa Mónica, Barcelona.

Ella es una colaboradora de Art Jewelry Forum, plataforma mundial para la joyería contemporánea siendo además su embajadora en Italia; desde el 2009 es miembro activo de la asociación italiana de AGC para la joyería contemporánea ... y una apasionada coleccionista de joyería contemporánea.

Este año usted está presentando una nueva pieza como parte del evento de JOYA, una exposición en el Museo del Modernismo de Barcelona titulada Las Confluencias - Ramón Casas y joyería contemporánea.

El año pasado participó con su obra Les Méstissages, presentado en el Ars Santa Monica Ars. Discutiendo Les Métissages, ha explicado que "el proyecto explora la conexión entre la moda y la joyería contemporánea proporcionando una nueva gramática de la belleza '. En Klimt02 creemos que usted ha logrado un gran método de trabajo. Las nuevas técnicas (tecnología) facilita el acceso a nuevos contenidos y dan lugar a nuevos lenguajes, abrir nuevas opciones para la creación de conocimiento, nuevas posibilidades de observación que conducen a nuevas posibilidades de comprensión.

En primer lugar, permítame darle las gracias por esta oportunidad.

Haciendo una abstracción de su posible método de trabajo, ¿sería justo decir que hay un elemento formal característico que podríamos definir como la expresión de la comparación o evidencia de la analogía o una mayéutica reveladora? ¿Cómo lo definirías?

Es muy difícil dar una definición de un método "posible" del trabajo hablando de Les Métissages: sobre todo, no son más que el resultado de los archivos de mi propia memoria. Asistidos por una constante investigación en plataformas web y almacenados en archivos y archivos organizados claramente en mi memoria y en mi computadora personal. ¿Cómo Métissage llega al mundo? No hay ninguna regla sobre eso: a veces se mira a una pieza precisa de joyería, a veces se mira a una creación de la moda: mi memoria comienza a trabajar y buscando solo de florece delante de mis ojos. Pero no he inventado nada nuevo: el estudio de la migración de los motivos ornamentales, los patrones y las ideas comenzó hace mucho tiempo y tuvo sus máximos especialistas en Henri Focillon y Jurgis Baltrušaitis (este último fue su alumno): ambos se centraron su investigación sobre el arte románico y gótico, mirando y estudiando cuidadosamente desde donde llegaron algunos elementos ornamentales y la forma en que proliferan y se reproducen a sí mismos durante siglos [1] Pero si para la vida de las formas estudiadas por Focillon y Baltrušaitis fue un proceso de "continuidad", Les Métissages son un proceso de estudio de "contigüidad", y este concepto es fascinante y complicado: estoy concentrada en el en este momento. 

Además este proyecto tiene mucho que ver con otro concepto clave: el de las "artes hermanas" [2]: estas combinaciones proporcionan una gama de diálogo au pair entre dos formas de arte, prohibiendo de todas las jerarquías que la historia occidental del arte nos enseña acerca de bellas artes y artes aplicadas, por ejemplo. La moda y la joyería contemporánea, ambas consideradas como "subcategorías", se expresan a sí mismas como dos formas distintivas de arte. Por último, el aspecto más intrigante de este proyecto es que ni los artistas joyeros y ni los creadores de moda se conocen entre sí: esto es realmente sorprendente.

¿Hay algún cambio en esta nueva exposición con respecto a la anterior en términos de estructura, el método o la forma? Háblanos de su nuevo proyecto.

Este nuevo proyecto, Les Confluences, comenzó este año en mayo, cuando Paulo Ribeiro, director del Joya, me comunicó el tema principal de la feria de joyería para este año 2016: ARTE.

Al principio existía la idea de crear algunas conexiones entre las artes (entendidas como pinturas, esculturas, etc.) y la joyería contemporánea pero era dudoso: Yo no creía que el concepto de mera asociación literal todavía podía trabajar: es algo que, en cierto modo, tenemos siempre bajo nuestros ojos pasando rápidamente a través de las redes sociales así como otras plataformas y sitios web: estamos acostumbrados a este tipo de reinterpretaciones y "declinaciones". Además, pensé que esta asociación mental / figurativa siempre marca la jerarquía entre las joyas y las bellas artes, lo que reforzando este concepto habitual del "artes aplicadas" como una especie de hijas menores y, en ese sentido, voces más pequeñas siempre listas para buscar atención.

Las cosas cambiaron cuando Paulo Ribeiro me propuso una colaboración con el Museo del Modernismo de Barcelona centrando mi proyecto en un solo autor, en este caso, Ramón Casas:empezaron las cosas. Vine a Barcelona, hice una larga visita al museo, estudié el catálogo y miré cuidadosamente las obras que se muestran durante la exposición Ramón Casas. La vida moderna [3] y seleccioné diez palabras que impresionaron mis ojos.

Para la presentación de Les Confluences, miré en los archivos de mi memoria y encontré las parejas adecuadas: las formas florecieron. Empecé en primer lugar a combinar a Ramón Casas con diferentes artistas de joyería revisando las formas, los patrones y, una vez que se aprobó el proyecto, la señora Gema Losa, directora del Museo, Paulo Ribeiro y yo decidimos pedir a los creadores una nueva pieza, inspirada directamente a la obra de Ramón Casas, que fue, desde el comienzo, seleccionado cuidadosamente por ser un eco distintivo entre el pintor y el joyero. 

La respuesta de los artistas fueron muy positivas: cada creador de encontrar algo de sí mismo Ramón Casas...y Les Confluences se realizaron. Y lo que comenzó principalmente como una conexión en formas e ideas cambió convirtiéndose en una conexión enfocada en texturas, colores, superficies y materiales. 

Como curadora, ¿qué faceta del trabajo te interesa más? Para decirlo de otro modo, ¿ cuál crees tu que es la principal tarea de un curador?

En primer lugar tengo que decir que todavía estoy dando mis primeros pasos en el campo de la curaduría y casi no puedo definirme como un curadora adecuada: todavía tengo un largo viaje que hacer. 

En mis pocas experiencia como curadora puedo decir que lo que más me gusta es todo el proceso de realización de un proyecto: desde la idea hasta los variados y diferentes aspectos que debes enfrentar cada vez que te involucras en un proceso de curaduría; el contacto con el artista, el catálogo y la manera de exhibición. Y el día inaugural, por supuesto. 

Por otro lado, creo que la principal tarea de un curador es la creación de caminos por donde los ojos y la mente puedan viajar, siempre con altos estándares de calidad. Por esta razón, en mi opinión, un proyecto interdisciplinario podría ayudar a los curadores: si se piensa en la historia de las artes, se puede fácilmente detectar que está lleno de coexistencias, retrasos y anticipaciones...y un sin fin de lenguajes esperando por ser vistos desde lados distintos. 

Mencioné la calidad anteriormente y sé que estoy abriendo una caja de Pandora al tocar este delicado aspecto pero creo que los buenos criterios de selección proveen buenas obras y buenos proyectos. No importa si un proyecto se llevará a cabo en una galería o en un museo o en el estudio de un artista, no importa si como curador, tienes que tratar con diez o cien piezas, en mi opinión, si se tiene en cuenta la calidad, así como el angulo correcto como parte principal del proyecto, tu trabajo se ha cumplido.

Como usuario de ferias de arte, ¿puedes nombrar una exposición, evento o encuentro que te haya impresionado (recientemente)?

Por supuesto, como un colector de la joyería contemporánea Puedo nombrar Schmuck, por la cantidad de encuentros y exposiciones (a veces incluso demasiado) diseminadas en la ciudad, y la Bienal de Arte de Venecia. Yo sé que estos dos eventos son realmente enorme en términos de dimensiones, ofertas y visibilidad, pero aún así, considero que estos viajes son impresionantes para documentarse  y que uno tiene que experimentarlos una vez en la vida.

En particular, puedo decir que algunos de los pabellones más impresionantes y conmovedores fuero los japoneses y los australianos, así como los de Uruguay y Noruega: abrumadores.

Por otro lado, realmente aprecio las pequeñas exposiciones, a menudo sin nombres altisonantes, donde el camino curatorio está claro, pero, al mismo tiempo, oculto tan bien que se puede percibir la existencia del mismo.

Como visitante, ¿qué solicitarías de este tipo de eventos?

Hablando de ferias y exposiciones la única cosa que podría exigir es la calidad, calidad y más calidad. Durante Schmuck, por ejemplo, vi exposiciones realmente hermosas, reuniendo dos o tres artistas y con una muestra piezas de muy alta calidad y técnica. No importa si se utiliza plástico en lugar de oro, pero uno no se puede considerar a sí mismo como artista joyero sólo porque de pegaste algunos elementos diferentes y porque "esto es contemporáneo". Uno tiene una buena técnica para hacer esto (tanto el uso de pegamento o la orfebrería) con el fin de tener un trabajo realmente impresionante lo cual puede hacer frente a lo que llamo "la prueba del tiempo". Por supuesto, la calidad implica la selección, la precisión, el estudio, la investigación, la humildad ... y, sobre todo, tiempo.

Como participante en JOYA, ¿qué piensa usted hace que su participación en este evento  sea interesante?

He seguido el crecimiento de JOYA desde sus comienzos y puedo ver un desarrollo constante en términos de selección y calidad: año tras año este amplio trabajo recoge nuevas voces y difunde la cultura de la joyería contemporánea en todo el mundo: la conexión con la calidad es un gran objetivo.

Como miembro de Agc, la primera Asociación Italiana de joyería contemporánea, puedo decir que JOYA fue la primera feria internacional que abrió sus puertas a colectivos de asociaciones como la nuestra que promueve grupos y no sólo los artistas individuales. Y ahora JOYA se ha convertido verdaderamente en ese rendez-vouz que espera la comunidad joyera después Schmuck en otoño.

Además JOYA fue la primera institución justa que cree firmemente en el proyecto de Les Métissages: el cual para mi, ha sido uno de los reconocimientos más importantes de mi "carrera" y me ayudó a mi y a mi proyecto a salir del mundo virtual. Puede imaginar fácilmente cuan agradecida estoy. En mi opinión la Barcelona Cultural tiene siempre mucho que ofrecer: cada uno puede elegir una ruta artística personal a seguir y la ciudad es muy rica en este sentido. Y durante la Feria de joyería contemporánea de la oferta es mucho más fascinante, abriendo la puerta al campo de la joyería contemporánea no sólo a la comunidad "habitual", pero a todo el mundo.

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[1] Para la vida de las formas ver:Henri Focillon, Vie de Formes suivi  de Éloge de la main, Paris, PUF, 1943 (tr. It. Vita delle Forme seguito da elogio della mano, Torino Einaudi, 1972).

Para la vida y migraciones de las formas ver también:  Jurgis Baltrušaitis, Le Moyen Âge fantastique. Antiquités et exotismes dans l’art gothique, Paris, 1972 (tr. It. Il Medioevo Fantastico. Antichità ed esotismi dell’arte gotica, Milano, Adelphi, 1973);

Jurgis Baltrušaitis, Formations, deformations, Paris, Flammarion, 1986 (tr. It. Formazioni, deformazioni. La stilistica ornamentale nella scultura romanica, Milano, Adelphi, 2005);

Jurgis Baltrušaitis, Réveils et prodiges, Paris, Flammarion, 1988 (tr, it. Risvegli e prodigi. La metamorfosi del gotico, Milano, Adelphi, 1999).

[2] Para el concepto de "artes hermanas" ver Mario Praz, Mnemósine. Parallelo tra letteratura e le arti Visive, Milano, SE, 2008; véase también Aby Warburg, Atlas Mnemosyne través http://warburg.library.cornell.edu/about

[3] Para la vida y obra de Ramón Casas, véase: Ramón Casas, La Vida Moderna, catálogo de la exposición, curada por Gabriel Pinós Guirao, Museo del Modernismo de Barcelona, Barcelona, 2016.

Ver también: http://www.ramoncasas.cat/