Una entrevista con el legendario creador de joyas GianCarlo Montebello, quien dio lugar a un nuevo movimiento en el Arte en la década de 1960 - Joyas creadas por artistas plásticos.
Niki de Saint Phalle. Collar boca y los ojos. Foto: Antonia Mulas
GianCarlo Montebello y Teresa Pomodoro son una leyenda de la joyería italiana y, en cierto sentido, también son una leyenda de la escena del arte de la segunda mitad del siglo 20. En la década de 1960 se puso en marcha un movimiento único en joyería, es decir, joyas de edición limitada hecha por artistas plásticos, y en 1967 Montebello, junto con su esposa Teresa (hermana de los escultores italianos Arnaldo y Gió Pomodoro) fundó la empresa Gem Montebello, que supervisó la fabricación de la joyería. En consecuencia, el proyecto se tornó experimental e incluso algunas veces demasiado sentimental, abriendo paso n las biografías creativas de muchos un artista clásico del siglo 20.
Debemos recordar que la década de los años 60 fue una época especial para joyería, cuando prácticamente todos los paradigmas existentes en las industrias de la moda y la joyería fueron sacudidas con una fuerza similar a la de un huracán. A pesar de que muchas de las casas de joyería conocidas confirmaron las tradiciones clásicas y continuaron trabajando con metales preciosos, una dirección radicalmente nueva entró en la escena también, concretamente, una joyería conceptual basada en experimentos con estilos y materiales completamente nuevos. Por este tiempo, nuevas inserciones como el plástico, metales mezclados, pegamento, papel, caucho, materiales naturales e incluso la tela permitieron formas más suaves y plásticas que los metales tradicionales. De servir simplemente de accesorios hermosos y decorativos, la joyería creció hacia una forma de realización infinita de la fantasía creativa - un reto, muchas veces una provocación una declaración social que por un tiempo empujó condicionalmente los aspectos prácticos y comerciales de la joyería hacia un último plano. Además, la nueva joyería de comenzó a ser hecha de materiales cuyo valor estuvo, en relación a los estándares clásicos, irónicamente bajos, cuestionando así el concepto de "símbolo de estatus" y otros primadonnas de la escena social.
Durante nuestra conversación, sin embargo, Montebello admitió que no todos los artistas que invitó para crear las joyas estuvieron de acuerdo con el proyecto, debido a que algunos de ellos todavía consideraban la joyería como elitista y una parte del estilo de vida burgués - todo el decenio de 1960 estuvo en contra.
Desde el principio, Montebello disfrutó de la estrecha colaboración del clásico surrealista Man Ray. Esta colaboración dio lugar a un total de ocho piezas de joyería, incluyendo la máscara que hoy es icónica Optic-Tema de Oro (1972) de la cual se hicieron 100 copias. Montebello sigue teniendo una de ellas en su taller. Man Ray también creó los zarcillos Pendientes-Pendientes (1970) con su famosa forma de pantalla de la lámpara en forma de espiral. Debido al peso de los zarcillos, fue creado un mecanismo especial para ser colocado alrededor de la oreja en lugar de colgar del lóbulo como pendientes tradicionales. Pero Montebello evita dar respuesta a la pregunta sobre a quién se le ocurrió una solución de este tipo. En cualquier caso, los zarcillos se hicieron famoso después de ser usados por la diva francesa Catherine Deneuve.
Man Ray. Máscara Optic-Topic realizada en oro. Proyecto de 1974 se realizó en 1978. La edición es de 100 máscaras, numerada y firmada. Foto: Giorgio Boschetti.
En total, Montebello colaborado con más de 50 artistas entre 1967 y 1978: César, Sonia Delaunay, Piero Dorazio, Lucio Fontana, Hans Richter, Larry Rivers, Niki de Saint Phalle, Jesús Soto, Alex Katz y otros. Además del reto creativo, siempre se destacó también la "naturaleza informativa" de las colaboraciones, lo que significa que la joyería se convirtió en un camino a través del cual se introdujo al público en general a la escena del arte de su tiempo. Lanzadas en ediciones limitadas, las joyas no se posesionaron como obras de arte y, por tanto, se vendieron a precios muy razonables. Montebello todavía tiene una lista de precios de aquellos días en la que podemos ver que algunas de las joyas no costaban más de 210 liras italianas. Por supuesto, hoy en día estas mismas piezas han ganado un estatus diferente a y se venden cada vez más a precios astronómicos en una subasta, porque sólo hay unas pocas copias disponibles de cada pieza de joyería, y estas piezas se han convertido en codiciados objetos de colección.
En 1978 el taller de Montebello fue desecho por ladrones, y provoco como consecuencia que este episodio de su vida fuera llevado a su fin. A partir de entonces se concentró en desarrollar su propia colección, llamando a sus joyas "adornos corporales". Rara ha vuelto a colaborar con artistas, porque como él dice, el estilo de colaboración ha cambiado a lo largo de los tiempos. Mientras que las conversaciones privadas eran una parte natural del proceso en los años 1960 y 1970, hoy en día hay un mar de asistentes que uno tiene que lidiar...
Curiosamente, Montebello posee personalmente muy poco de las joyas que datan de finales de los años 1960 y 1970, ha tratado incluso de volver a comprar algunos de sus trabajos a los coleccionistas de arte. Él tiene una relación profesional muy estrecha con Diane Venet, un coleccionista de arte francesa quien fue una de las primeras en coleccionar joyería artística, creando también de un mercado para esta.
Conocí Venet el año pasado en Nueva York, en el taller de su marido, el escultor francés Bernar Venet. De hecho, nuestra conversación me llevó a buscar a Montebello. Después de conocer a Montebello, le pedí a Venet describirlo: "Para mí, él es el padre de todo este movimiento. Él fue el primero en animar a sus amigos artistas a probar suerte en el diseño de joyas. Y también, sus colaboraciones estaban muy cerca. Tuvieron conversaciones interminables - cavó profundamente, de modo que los diseños de joyería se convirtió en algo así como una continuación de su arte. Sólo el que ama con pasión su propia artesanía y el arte puede hacer eso ".
Estudio de GianCarlo Montebello. Foto: Una Maistere
Mi conversación con Montebello tuvo lugar en Milán, en su taller, que es también su residencia. Se encuentra en el barrio chino de Milán - un lugar que, debo admitir, que no conocía con anterioridad. Montebello tiene ahora más de 70 años de edad, y la mayoría de los grandes artistas del siglo 20 con los que trabajó han muerto desde hace mucho tiempo. Mientras hablamos, tengo continuamente la sensación de que estoy en la presencia de un siglo de historia del arte, en la presencia de una persona que ha visto con sus propios ojos lo que el resto de nosotros sólo ha leído en los libros de historia. Con las manos un poco temblorosas pero con la precisión de un joyero, una por una tira de carpetas del archivo que guarda en una gran estantería. Allí, protegidos del polvo en carpetas de archivos de plástico y papel de seda, nos encontramos con bocetos de joyería de Man Ray y otros artistas. Cada dibujo contiene una historia. Sobre la mesa es un cenicero diseñada por Man Ray - quien no podía soportar el olor del un cigarrillo sin botar aire por la nariz regularmente así que diseñó un cenicero con huecos especiales que el extremo de un cigarrillo terminado y así atrapar el olor desagradable en el interior.
Boceto de Man Ray de los lentes de sal y pimienta. Foto de archivo GianCarlo Montebello.
Foto: Una Maistere
Por favor, cuéntame un poco acerca de cómo comenzó la idea de la Gem Montebello. ¿Fuiste tú el que se acercó a los artistas, y quienes fueron los primeros artistas con los que empezaste a trabajar?
GM: En 1967, me acerque primero a artistas que había conocido antes y que estaban cerca de mí: Lucio Fontana, Arnaldo y Giò Pomodoro, Consagra y Piero Dorazio. Esto fue durante el año 1967. Luego, más tarde empecé a trabajar con otros artistas europeos y americanos.
Sé que has tenido una relación profesional muy especial con Man Ray.
GM: Si. Fue en mi carrera más tardía. En los años 70.
Una de las piezas más especiales de joyería que ha creado junto con Man Ray fue la máscara de oro, aunque originalmente comenzó como anteojos.
GM: La máscara se hizo muy al final. Empezamos con otro tipo de joyas, y la máscara se hizo al final. Pero entonces, por desgracia, Man Ray murió. De todos modos, la máscara era un objeto portátil - el no quería hacer ninguna cosa para ser colgada en la pared.
GM: Al principio, Man Ray esbozó algunas copas que iban a ser realizadas en oro completamente. Este fue el proyecto inicial, él quería que los lentes tuvieran bisagras muy pequeñas. La forma era muy "sofisticada", debido a Juliette su esposa, era estadounidense y los lentes eran para ella, por lo que la pieza tenía que ser con una forma sofisticada pero con bisagras bastante invisibles. Man Ray llamó a este par de gafas Sel et Poivre (Sal y pimienta) debido a que los lentes se hicieron completamente en oro perforado, y esto, para su surrealista y dadaísta espíritu, era el nombre correcto. Parece bastante extraño, pero, una vez puestos, la vista es perfecta y de los lados estaban protegidos. La idea de lentes perforados le vino a Man Ray porque el amaba los coches deportivos. En ese momento, todos los coches deportivos eran convertibles, y los conductores tenían que usar gafas especiales con el fin de proteger sus ojos. Esas gafas especiales estaban hechas de aluminio, y los lentes se perforaron con el fin de salvaguardar los ojos del conductor contra insectos y mosquitos. Por lo tanto, la idea de lentes perforadas vino de los conductores de autos deportivos.
La esposa de Man Ray Julieta probándose las gafas Sal y Pimienta.
Foto de archivo GianCarlo Montebello.
GM: Cuando el prototipo estubo listo, yo estaba ocupado y no podía ir a París para entregárselo personalmente a Man Ray, así que le pregunté a un amigo cercano si podía llevárselas. Man Ray recibió el prototipo de las gafas y se las dio a Juliette para que las pusiera e hicieron esta foto con una cámara Polaroid. Luego Juliette se las dió a una amiga para que se las probara y en ese preciso momento se rompieron. Esto ocurrio porque las gafas - que se hicieron de oro - eran pesadas, pero las bisagras eran pequeñas y extremadamente delicadas y no funcionaban correctamente. Man Ray resolvió el problema inmediatamente. Ya sabes, como fotógrafo sabía cómo hacer frente a ese tipo de situación. Por lo tanto, desmanteló las gafas y se quitó las lentes; cortó un trozo de tela negro, cortó un óvalo, insertó las lentes, y la máscara se hizo... y se los dio a Juliette. Pero este fue Man Ray, quien vivió en un estudio de arte y vivió su vida como una obra de arte.
Boceto de Man Ray para Óptica-Topic.
Foto de archivo GianCarlo Montebello.
¿Están todavía en alguna parte?
GM: Sí, a veces las máscaras aparecen en las subastas, así como hoy en día sucede con la joyería artística. A veces, las piezas aparecen en las subastas porque el dueño anterior ha fallecido y, debido al aumento del valor de las piezas ... quizás es demasiado para los herederos.
Como un joyero, ¿ qué es lo que más le interesa en este proceso de convertir las ideas más salvajes de los artistas en la joyería?
GM: El placer. La curiosidad. En ese momento fue interesante proponerle a los artistas el hacer joyas - no a los que ya se había hecho piezas por sí mismos, sino a los que nunca se habían hecho joyería. Fue también una manera de ganar algo de dinero. Durante los años 1960 y 1970 las cosas fueron muy duras debido a las "contestazione" (protestas). Fueron años de protesta, y la fabricación de joyería se consideró "Borghese", burguesa. Por supuesto, no todos los artistas respondieron a la invitación - algunos se opusieron categóricamente a ella - pero muchos otros participaron con alegría. Pol Bury y Jesús Rafael Soto, el artista cinético, aceptaron porque les gustaba la idea y que querían darle las piezas a sus esposas o novias como regalos.
Mirando hacia atrás en la historia de la joyería artística, gran parte de ella es bastante privada y se asocia con lo personal, con episodios de vidas de manera muy íntima.
GM: Anteriormente, los artistas que hicieron joyería la hicieron solamente en ediciones firmadas y limitadas o piezas únicas. El objetivo de la Gem Montebello era completamente diferente - en lugar de utilizar materiales preciosos, optamos por el uso de materiales mixtos y heterogéneos con el fin de hacer piezas de diseño a precios accesibles y direccionadas a personas que posiblemente no sabían nada acerca de ellos con anterioridad. Era una especie de "misión informativa". Las piezas no se firmaron o numeraron porque nuestra intención era la de ser "informativos". Y esta motivación fue aceptada ... y fue un éxito. Una vez terminadas, una pequeña tarjeta con el nombre del artista y el número de piezas que se habían producido era entregada junto con cada pieza. El nombre del artista estaba en la tarjeta, no en la pieza de joyería. Sólo las iniciales del artista aparecian en la joyería. Por ejemplo, si era LF era por Lucio Fontana.
Pero hoy en día esta joyería se vende en una subasta por grandes cantidades de dinero.
GM: Sí, porque el tiempo aumenta el valor, y las cosas tienen un precio diferente en las subastas. Sólo en los últimos años Gem Montebello ofreció a los artistas la posibilidad de hacer algo con materiales preciosos, pero éstas eran ediciones pequeñas, limitadas.
¿Quien tenía la decisión final en cuanto a la elección de los materiales?
GM: Siempre hubo un diálogo. A veces, el artista pidia y proponía el uso de un tipo especial de material, y en ese momento yo sugería cual era el mejor material a utilizar y qué técnica era la mejor para el tipo de joyas que tenían en mente. Hubo conocimientos pero también interpretación. Y es por esto que no había una "edición estándar" en Gem Montebello, ya que cada pieza fue discutida e interpretada de forma individual. Hablando de las piezas, una cosa importante para recordar es el hecho de que nunca hubo una situación estándar. Yo era como un conductor en una orquesta - que tenía que ser el intérprete de la idea del artista, y tuve que poner la idea, el espíritu, el concepto del artista en una pieza de joyería. Lo que tenía que hacer era inculcar y mantener el espíritu del artista en las joyas a través de los conocimientos técnicos de un orfebre; la joyería se convirtió en una representación de los sentimientos, el concepto y la idea del artista. Y esa fue la diferencia entre la joyería de Gem Montebello y la de los demás, ya que cada pieza era la representación total de la sensibilidad de ese artista.
¿Cómo se clasifica usted mismo estas piezas de joyería - son obras de arte (porque se basan en la idea del artista), o son objetos decorativos y funcionales?
GM: Algunos eran como "reducciones" de las obras de arte; muchas veces suponen el carácter bien definido del artista, incluso si eran de tamaño pequeño.
Una cosa a tener en cuenta es que los artistas nunca se preguntaron si la joya que crearon era hermosa o si estaban haciendo algo bello - utilizan el cuerpo de una mujer como un espacio en movimiento, una pared móvil sobre el que exponer sus obras.
Niki de Saint Phalle. Collar "Boca y Ojos" de oro amarillo, ambos lado esmaltado en varios colores. A partir de un dibujo de 1973, edición de 12, numerados y firmados.
Foto: Antonia Mulas.
Usted colaborado con Niki de Saint Phalle. ¿Fue su enfoque hacia la joyería, como mujer, diferente de la de los artistas masculinos?
GM: Niki amaba muchísimo la joyería, y lo que más amaba era ofrecerlos como regalos a sus amigas. Cada pieza fue hecha en oro y esmalte. Todas sus obras fueron laqueadas en diferentes colores. Había una gran cantidad de trabajo por hacer: grabado, esmaltado ....
¿Hubo alguna idea lo largo de los años que resultó ser imposible de transformar al lenguaje de la joyería?
GM: No, porque los artistas que no estaban interesados en este proyecto se limitaron a decir "no", y yo siempre trabajé con los que querían hacer joyas.
La joyería siempre ha tenido una relación muy especial con el cuerpo humano. ¿Qué importancia tuvo este aspecto para usted, como un joyero, en su colaboración con los artistas?
GM: Muy importante. Lo que tenía delante de usted era el artista, pero detrás de él estaban mis orfebres y yo. Nos concentrábamos en la portabilidad y en todas aquellas habilidades técnicas y aspectos que quizás los artistas no consideraban algunas veces - la joyería algunas veces no era refinada desde algunos puntos de vista, como la portabilidad, por ejemplo. Y yo estaba allí para eso. Me hice cargo de todos los aspectos técnicos sobre la fabricación la pieza de joyería, porque tenían que ser bien elegante.
Después de que su taller se robado en 1978, usted anunció que dejaría de fabricar joyería artística. ¿Por qué decidió hacer eso?
GM: Fue una "suspensión" debido al robo. Decidí parar por un tiempo, para no cerrar por completo, pero me decidí por una "suspensión". Luego empecé la fabricación de joyería nuevamente con la exposición "La metamorfosis italiana 1943-1968" bajo la curaduría de Germano Celant en 1994 en el Museo Guggenheim de Nueva York.
Y después Niki de Saint Phalle me llamó. Algunas personas le habían pedido que que hiciera algo de joyería, y ella aceptó sólo bajo la condición de trabajar conmigo. Pero a partir de ese momento las cosas y el mundo del arte en general habían cambiado; la sensación era completamente diferente de la escena de la década de 1960 París, por ejemplo. Trabajé en París con Soto, Bury, Man Ray, Niki de Saint Phalle ... y si pienso, por ejemplo, en Lucio Fontana - el enfoque y todo fue muy "fácil" y amistoso en ese momento. Ahora es diferente - el espíritu de hoy cambió totalmente, y todo es una aventura financiera.
¿Qué opinas que cambió en el mundo del arte?
GM: El arte ha sido absorbido por las finanzas, es un negocio. El arte ya no es independiente, se considera como una mercancía, como un negocio. Los precios aumentan, los precios son altos en las galerías y en las subastas.
GianCarlo Montebello en su archivo.
Foto: Una Maistere
¿Todavía colabora con los artistas?
GM: Sí, pero colaboro sólo con pocos artistas, no como antes. Yo prefiero a permanecer en un último plano. Mi última colaboración fue con Günther Uecker (que ahora tiene 80 años), y también hice una serie de piezas con [arquitecto y diseñador] Andrea Branzi.
Usted primero estudió diseño de interiores y más tarde se volcó su atención a la joyería. ¿Por qué?
GM: Hice mis pasantías en diversos estudios de arquitectura, y trabajé en lo que en ese momento fue llamado en italiano "arredamento", que luego se convirtió en "diseño de interiores". En ese momento, el mundo de la arquitectura y el "diseño de interiores/arredamento" estuvo vinculado estrechamente con los artistas y siempre me ha gustado detalles: esta es la manera correcta, esto es la dimensión correcta, y así sucesivamente.
He leído que esta atención por el detalle fue una de las razones también por las que comenzó la fabricación de joyería. ¿Es eso así?
GM: Siempre me ha gustado la experimentación, y por suerte he trabajado con gente de mente abierta, pero siempre he tenido esta actitud por los detalles. Todo está hecho de y por los detalles. Por ejemplo, si uno mira a los edificios de Carlo Scarpa, especialmente la tienda de Olivetti en Venecia (ahora propiedad del FAI, una fundación de herencias) o la Fondazione Querini Stampalia en Venecia o en el Museo di Castelvecchio en Verona, uno siempre detectar un fuerte impacto en las dimensiones, pero no es abrumador. Eso es algo que toca a una persona profundamente. Pues bien, esta dimensión está hecha de detalles. Los materiales, por ejemplo, y la forma en que fueron elegidos cuidadosamente. Es muy difícil de explicar, pero Scarpa tenido tanto cuidado por cada detalle.
¿Es la joyería una especie de lenguaje, un instrumento de comunicación? ¿Algo así como una extensión de la personalidad?
GM: Por supuesto. Podemos verlo inmediatamente. Es una extensión.
Cordones de los zapatos.
Los únicos accesorios para hombres creado por Giancarlo Montebello.
¿Alguna vez usa las joyas que ha creado?
GM: No, porque no hice joyas para hombres. Hice sólo cintas de zapatos - Yo nunca he diseñado nada para mí, excepto la cinta de zapatos en 1981. Era un adorno que de alguna manera tenía una función. Pero tengo que decir que en 1981, cuando todo el mundo tenía cintas de zapatos similares, la mía eran diferentes, cordones de zapatos con diamantes para mi esmoquin. Me puedo imaginar la joyería para los hombres, pero en mi opinión todo tiene que ser funcional. Por ejemplo, a veces uso de los gemelos como sujetadores para collares y pulseras.
¿Cómo se siente acerca de la joyería contemporánea? ¿En qué dirección se va ahora? Parece que todos los tabúes se han ido hoy en día ....
GM: Veo todo como un proceso de evolución. El aspecto importante es ser "honesto". He visto todo cambio en la joyería contemporánea como una evolución, pero tiene que ser honesto y sincero. No me gusta todo esto de la joyería hecha "por la moda", porque hay que ser capaz de sentir y ver la calidad. Y la calidad está estrictamente conectada con la honestidad, es una especie de reflejo de la honestidad. Por ejemplo, recuerdo una exposición hace treinta años en Suiza de un artista de la joyería suiza que trabajó sólo con papel. Había tanto cuidado por el material que de inmediato le dio a las obras una calidad especial. Sin embargo lo que está sucediendo hoy en día es muy interesante.
Lowell Nesbitt. Broche o collar de lirio, totalmente esmaltado en oro amarillo cincelado. Pistilos móviles. Collar cincelado en forma de dos hojas. A partir de un dibujo de 1972.
Edición de 5, cada uno de diversos colores, numerados y firmados.
Foto: Antonia Mulas.
Y a pesar de todo, la gente aún se sigue fascinando por las gemas. ¿Usted, como joyero, ha comprendido por qué esto s así?
GM: Para mí, la mayor parte del tiempo no son más que desperdicio de materiales. Todas estas marcas, como Tiffany y Cartier han perdido la capacidad de hacer algo diferente. Ellos usan demasiadas piedras - no porque se corresponda con su clásica tradición de la fabricación de joyería, sino porque han perdido el sentido de la proporción. En lugar de hacer algo realmente bueno y diferente. Por el contrario, si pienso en la tienda china cerca de mi estudio que vende grandes joyas falsas...sí, por un lado son terribles, pero también son divertidas al mismo tiempo, y tienen algunas piezas muy creativas….
Todas estas grandes marcas hay una arrogancia en ellos, sólo porque son una "griffe", una marca. Por ejemplo, la joyería de Chanel. ¿Que piensas de eso?
GM: Bueno, las perlas artificiales de Chanel fueron una idea bastante revolucionaria para su tiempo. Hoy, por supuesto, se han convertido simplemente en una imitación de joyería cara con el nombre de una marca. Chanel inventó lo que llamamos "the bijou" - no es una joya verdadera sino que es falsa. Porque en ese momento, ella era una mujer joven y hermosa y recibió joyas sorprendentes como regalos. Entonces se dijo, "Me gustaría que cada mujer pudiese tener este tipo de joyas como las mías" e inventó la llamada "bijou". Pero hay que recordar que Fulco di Verdura, que era un príncipe, diseñó joyas para ella.
¿La joyería conectada con el tiempo en el que fue creada, o es atemporal?
GM: Algunas piezas representan su tiempo; otras son para siempre. Al igual que en el arte, hay algunos artistas (muy pocos) que trascienden su tiempo. Lucio Fontana, por ejemplo. Lucio Fontana es siempre el futuro.
Lowell Nesbitt. Broche o collar de lirio, totalmente esmaltado en oro amarillo cincelado. Pistilos móviles. Collar cincelado en forma de dos hojas. A partir de un dibujo de 1972.
Edición de 5, cada uno de diversos colores, numerados y firmados.
Foto: Antonia Mulas.
¿Puede nombrar tres piezas de joyería que se hicieron en colaboración con artistas que considere sus obras maestras?
GM: La primera pieza es el Lilium (lirio) por Lowell Nesbitt. Se hizo en 1972 y es una pieza entre la cultura pop y el hiperrealismo. "Pop" era por el tamaño - muy grande - y lo de hiper-realista ya que el trabajo fue realizado íntegramente con la técnica de bajo relieve, luego iluminada y esmaltados. Cada parte de la pieza - que puede ser tanto collar y broche - fue profundamente estudiada en todos sus detalles. Los estilos de la flor y pistilos eran todos móviles. Se trataba de una gran cantidad de trabajo, y es por ello que hacen sólo cinco piezas del lirio. El oro estaba tenía que entrar y salir del horno a alta temperatura y era extremadamente "estresante", porque tenía que también ser grabado, esmaltado, iluminado ....
GM: La segunda pieza es Optic-Topic, es la máscara de Man Ray, porque es tan ... Dada !!! Y, sobre todo, para la historia detrás de la pieza. La principal lección de Man Ray es que a veces lo que parece no es lo que estas viendo. Lo que se ve es algo diferente y no lo que está delante de sus ojos.
GM: Otra pieza fue una que hicimos en el principio de Gem Montebello - una pieza de Giò Pomodoro, hecha en plata, con una pequeña esfera. Esta pieza transmite una gran potencia, tiene un gran impacto debido únicamente a su simplicidad interior. Esta pieza fue hecha con la mitad de un gramo de oro solamente. Cuenta con una simplicidad y una ligereza como una flor fresca que se acaba de recoger en el jardín. Tiene una frescura interior. Y todavía tiene un gran poder debido a su simplicidad.
GM: Y luego está el collar de ojos labios de Niki de Saint Phalle, que actualmente se encuentra en la colección de Diane Venet. Crea una impresión muy surrealista cuando se lo lleva puesto - usted tiene sus propios ojos y los labios ... Y luego está lo que parece ser un reflejo de ellos en el collar. Además, es muy preciso y se cae simétricamente en el cuello, mejorando de este modo, aún más, el efecto surrealista.
Caja para Lily.
Madera, hoja de oro cubierta, pintado a mano en el interior.
Foto: Giorgio Boschetti
Acerca del entrevistado
GianCarlo Montebello nació el 15 de marzo de 1941, en Milán, donde asistió a la escuela de arte en el Castillo Sforza, y donde ahora vive y trabaja. En 1967, en colaboración con Teresa Pomodoro, abrió una tienda de orfebrería que trabajaba exclusivamente con artistas. Más tarde fundó GEM, para la producción de ediciones de las joyas de artistas: César, Sonia Delaunay, Piero Dorazio, Lucio Fontana, Hans Richter, Larry Rivers, Niki de Saint Phalle, Rafael Jesús Soto, y Alex Katz son algunas de las personalidades con el que trabajó de 1967 a 1978. En la primavera de 1970 conoció a Man Ray, quien se convirtió en su mentor durante muchos años. En 1978, dejó de producir ediciones de joyas de artistas y comenzó a presentar trabajos propios. El primero de sus "ornmanents" fue Punto Colore, o "Point of Color", y su característica principal reside en su movilidad. Montebello participó en la creación del Departamento de joyería en el Instituto Europeo de Milán de diseño, donde en 1984 y 1985 fue profesor de Diseño y Construcción Técnica. En la década de 1990 completó su ciclo, iniciado en 1983, de Ornamenti por Bradamante ( "Adornos para Bradamante"): las joyas versátiles y prendas similares, en malla de acero inoxidable y diversos materiales preciosos. Las joyas producidas por GEM se incluyeron en la exposición La metamorfosis Italiana, bajo la curaduría de Germano Celant para el Museo Guggenheim de Nueva York (1993-1994), y de nuevo en la exposición New Times, nuevas formas de pensar; Joyería en Europa y América, curada por Ralph Turner para la Galería Craft Council en Londres (1995-1996).
Sobre el autor
Una Meistere es editora de la revista 'Conversaciones con Arterritory Collectors' y directora del sitio web de arte y cultura Arterritory, que se centra en el Arte báltico, escandinavo ruso.
